EL PROBLEMA DE DEFINIR ARTE

¿Qué es arte?

A lo largo de la historia la respuesta a esta pregunta ha cambiado. “Cada época, cada situación específica de la cultura, ha entendido como arte cosas muy diversas.”

En la antigüedad y en la edad media el arte estaba relacionado con la técnica, en función de producir objetos útiles. Por ejemplo: importaba que el artista haya empleado bien la técnica para construir una silla, y que ésta cumpla la funcionalidad de silla.

En la modernidad se desarrolla la idea de la Belleza, no se descarta la técnica, sino que ésta está en función de producir cosas bellas. Aparece la expresión: “bellas artes”.

A partir del siglo XX, los acontecimientos históricos y el contexto sociocultural hicieron que ya no podamos definir ni asociar al arte con algo específico. Se rompe el paradigma estético tradicional con artistas como Duchamp. El rasgo principal del arte en los últimos tiempos es su des-definición.

Si analizamos la definición de arte que nos dan distintos artistas y teóricos nos encontramos con ideas muy diferentes.

Por ejemplo, el esteta polaco Wladymlaw Tatarkiewicz (1886-1980) en “Historia de seis ideas. Arte, belleza, forma, creatividad, mímesis, experiencia estética.” Intenta abarcar diferentes aspectos resaltados en las obras, presentando sus rasgos definitorios:

1.    El rasgo distintivo del arte es que produce belleza. Característica típica de la edad moderna, donde el arte tenía que tener equilibrio. En el siglo XIX Karl Rosenkranz  incluye también a lo feo en el terreno de las artes.

2.    El rasgo distintivo del arte es que representa o reproduce la realidad. Es la definición sustentada por Platón y Aristóteles. Tatarkiewicz considera que esta definición, tan popular en los viejos tiempos, no es más que una “reliquia histórica”. Oliveras dice no estar de acuerdo con que es una reliquia histórica y cita la aparición del hiperrealismo de la segunda mitad de los años 60 y la presencia de un hiperrealismo extremo en artistas de la joven generación, dejando de manifiesto que no es solo una reliquia histórica esta definición.

Como ejemplo de pintura hiperrealista podemos citar el “Retrato de David Bowie”, de colectivo Mondongo, integrado por tres artistas del siglo XXI https://www.yumpu.com/es/document/view/34403292/retrato-y-rostridad/2)

3.    El rasgo distintivo del arte es la creación de formas. Aristóteles afirmaba que nada debía exigirse a las obras de arte excepto que tengan forma. Tatarkiewicz dice que esta es la definición más moderna. Henri Focillon sostiene que “la obra de arte sólo existe como forma”.  El problema en esta definición estaría en la importancia que tiene la forma en el juicio de gusto, dicho de otra forma ¿Cómo son o tienen que ser las formas?

4.    El rasgo distintivo del arte es la expresión. Idea surgida en el romanticismo, donde el artista se independiza y comienza a producir arte por placer. Defensores de esta teoría fueron Benedetto Croce y Kandynsky entre otros. El problema sería que en ella queda fuera el arte racionalista y conceptual.

5.    El rasgo distintivo del arte es que produce experiencia estética. Esta definición pone el acento en el receptor, tiene que producir una sensación agradable en él.

6.    El rasgo distintivo del arte es que produce un choque. Esta idea también pone el acento en el espectador, pero dice que no necesariamente tiene que producirle una sensación agradable, sino un impacto. Es la idea más reciente, relacionada con las obras contemporáneas.

Con el trasfondo de estas definiciones Tatarkiewicz enuncia su propia definición: Una obra de arte es la reproducción de cosas, la construcción de formas, o la expresión de un tipo de experiencia que deleiten, emocionen o produzcan un choque. Arte es asimismo algo que proporciona alimento espiritual. Insiste en que arte es producto de una actividad humana consciente.

Luis Juan Guerrero en cambio afirma que cuando contemplamos algo como obra de arte la desligamos de todas las vinculaciones que pudieron darle origen. Por ejemplo él se refiere al crucifijo catalogado como obra de arte, que pasa a ser patrimonio de un museo de arte sin que su autor haya tenido la más mínima conciencia de haber realizado una obra de arte.

Jiménez dice que el concepto de arte no es universal, lo que sí es universal, en un sentido antropológico, es su dimensión estética. Lo que diferencia a la cultura occidental de otras no occidentales es la exaltación de la forma que caracteriza nuestra idea de arte.

Morris Weitz en The Role of Theory inAesthetics (1957) demuestra que cualquier teoría del arte resulta una imposibilidad lógica, pues no existen criterios para el arte que sean necesarios y suficientes.

Benedetto Croce  en 1912 a la pregunta: ¿Qué es arte? Contesta bromeando: arte es aquello que todos saben lo que es. A fines de la década de 1960 Theodor Adorno contesta la misma pregunta diciendo: El arte ha dejado de ser aquello que todos saben qué es.

¿Qué ocurrió a principios del siglo XX que llevó a este cambio rotundo de paradigma?

En agosto de 1911, desapareció del museo Louvre de París la tabla de Leonardo da Vinci donde estaba retratada La Gioconda  (http://sobrefrancia.com/wp-content/uploads/mona-lisa.jpg). El hurto desató una autentica histeria nacionalista, y las revistas de la época reprodujeron masivamente la imagen de la pintura. En 1914 la obra fue recuperada, había sido un mecánico italiano que quería devolver la obra al patrimonio de Italia. La tabla había permanecido cerca de tres años debajo de su cama.  Nunca antes una obra de arte había sido reproducida tantas veces como ocurrió en este suceso. Por primera vez en la historia una obra de arte pasaba de ser de la alta cultura para introducirse en la cadena de las comunicaciones de masas, pasa a ser cultura popular. Esto fue posible gracias a los avances tecnológicos, que llevaron a la era de la reproductividad técnica de la imagen.

En las tantas reproducciones que se hicieron, muchos artistas realizaron intervenciones en la imagen de la Gioconda. La retrataron de manera graciosa, en diferentes situaciones, etc. Uno de los artistas fue Marcell Duchamp, quien pintó con lápiz un bigote y una perilla al rostro de la Gioconda y agregó las siglas L.H.O.O.Q., un anagrama que significaba: ella tiene el culo caliente
 
(http://espina-roja.blogspot.com.ar/2010/10/lhooq-obra-de-duchamp-propiedad-del.html). Duchamp llamó a estas intervenciones sobre un soporte material ya hecho ready-made (ya hecho). 
Otros redy-made de Duchamp son:

-       La Rueda de bicicleta (1913) 

(http://cassioppea.files.wordpress.com/2009/10/duchamp.png),

-        Porta botellas (1914)

(http://spa.fotolog.com/photo/58/55/67/catalogodearte/1309692754200_f.jpg),

-        Fuente (1917) 

(http://elimpactoambiental.files.wordpress.com/2008/10/fuente_marcel_duchamp.jpg).

Los ready-made son ante todo un signo de expansión de la tecnología en la vida moderna, son objetos ya hechos, disponibles. Duchamp denuncia con esto que en toda actuación artística hay una utilización de materiales ya dados, socavando la concepción tradicional de la actividad artística como una creación de la nada. Tanto los soportes, los materiales, o los temas y motivos del arte no son ya algo delimitado, cerrado, dentro de un marco de especialización, como sucedía en el pasado. Ahora son materiales, soportes, temas, motivos de uso común en la cultura de masas, dentro y fuera del arte. Esto explica que el arte adopte estrategias de la cadena de comunicación y consumo, estrategias de publicidad que recurren no solo a lo sutil sino a lo escandaloso. Por ejemplo, en 1977 Gunther von Hagens expone en un museo de arte cadáveres sometidos a plastinación 
(http://.com/es/gunther-von-hagens-plastination).  
Hirts en 1991 expone cuerpos de animales disecados 
http://2.bp.blogspot.com/-m3Sahmi6IT4/UToWHWZvR-
I/AAAAAAAAANg/U8T0DctK9pk/s1600/1200787.jpg). 
Los elementos de provocación y escándalo en el arte estaban ya presentes en 1961, cuando Piero Monzoni produce en serie noventa latas de conserva, de noventa gramos cada una de mierda de artista conservada al natural, cada lata se vendía al peso según la cotización del dólar
 (http://kurioso.files.wordpress.com/2008/06/2041.jpg).

Lo que se abrió en la segunda década del siglo XXI es una nueva libertad, sin límites prefijados, en las propuestas artísticas. Así como cambiaron los artistas y las obras de arte en los tiempos que corren, también cambió el público. Los artistas de hoy se dirigen a un público activo, no a meros contempladores, éste es uno de los elementos más importantes en el arte de nuestro tiempo. El espectador crítico de nuestros días debe aceptar la inevitable pluralidad de la representación de códigos y de lenguajes, y examinar cada propuesta artística a la luz de su coherencia interna, conceptual y poética. Lo más importante es mantener la exigencia crítica, no todo vale. La última palabra sobre el valor de una obra no debe formularse de modo inmediato, la “prueba del tiempo” pone definitivamente a obras y artistas en su sitio.

Como vemos, definir arte en nuestros tiempos no puede ser algo apriorista o normativo, por eso resulta importante la definición de arte que formula un filósofo y teórico de la estética Italiano Dino Formaggio (1973): “Arte es todo aquello que los hombres llaman arte”. Esta definición tautológica se encierra en sí misma. Es imposible fijar límites previos, establecer una norma que diferencie a priori entre arte o no arte, Arte es hoy un conjunto de prácticas y actividades humanas completamente abierto.

BIBLIOGRAFÍA

-       “Teoría del Arte” de Polo Jimenez: https://drive.google.com/file/d/0B-eshDqtLrdZR3JDSUxmd2wzcDA/view?usp=sharing

-       “Estética” de Elena Oliveras: https://drive.google.com/file/d/0B-eshDqtLrdZbFpMTXhXQTBqTUE/view?usp=sharing